Ralph Bakshi, director de cine especializado en animación, convoca a Frank Frazetta para dar movimiento a su universo fantástico, hasta el momento plasmado en tela, pero partiendo de nuevos personajes y una historia inédita. Fire and Ice (Hielo y Fuego, 1983) narra la batalla de un pueblo que huye buscando calor en los volcanes, ya que Nekron, el señor del hielo, está arrasando el mundo con inmensos glaciares.
Durante tres años, Frazetta se dedicó a planificar el metraje, realizó esculturas para ayudar a los dibujantes en su tarea, supervisó la elaboración de los fondos, diseñó los personajes, y confeccionó las ilustraciones a lápiz que abren la película. Hay también referencias a su obra anterior: por ejemplo Tygra estuvo inspirada en “La mujer pantera”, una de sus obras más conocidas, y en “La princesa cautiva”, portada de un libro. El misterioso Darkwolf era una mezcla de Conan con otro personaje de una portada de Burrows.
El resultado tras su estreno fue castastrófico. La crítica la mató, y el dinero recaudado no sirvió ni para pagar los pinceles. Todo por culpa de los productores que querían un producto más infantil, léase con menos erotismo, menos violencia y más diálogos. Obviamente Bakshi y Frazetta no se dejaron intimidar, y esto tuvo su costo. Como represalia la difusión fue escasa y su distribución alcanzó muy pocas salas.
Frazetta, inmediatamente después de la película, inauguró un museo para exponer sus obras. Este museo sufrió un incendio en 1995 que llevó a cerrarlo por un tiempo polongado. Afortunadamente ninguna de sus pinturas resultaron dañadas. Una afección de las glándulas tiroides lo llevó a bajar 25 kilos y a deambular por los consultorios médicos durante 8 años. Finalmente se recuperó y volvió a trabajar como portadista de revistas, consiguiendo exhibir sus obras en una galería de arte de NY.
En 1996 Robert Rodríguez y Quentin Tarantino, admiradores de su talento, lo contrataron para pintar el póster de “From Dusk Till Dawn”. En 1998, 1999 y 2001 se publicaron tres libros con su biografía y reproducciones de sus mejores obras. En el año 2003 se edita “Frazetta: Painting with fire”, un documental sobre su vida y que se incluye en la edición especial de dos dvds de “Hielo y Fuego”, en venta desde el 24 de enero del 2007. Desde hace unos años su hijo administra el sitio oficial en la web, con información sobre su vida y venta de merchandising.
Frank, ayer y hoy.
Algunos infartos recientes han afectado la movilidad de su mano derecha, por lo debió empezar a educar la izquierda para continuar con su labor artística. Ya no es el mismo, pero nos deja un impresionante legado cargado de monstruos amenazantes, musculosos guerreros y voluptuosas mujeres, además de una legión de artistas inspirados en su obra y que ahora brillan con luz propia como son Jeff Jones, Berni Wrightson, Boris Vallejo, Julie Bell, Luis Royo, y otros.
Uf, qué decir de esta película. ¿Espantosa? ¿Vomitiva? Reconozco que he visto cosas peores, de por sí ya tiene el ¿dudoso? mérito de haber conseguido mantenerme sentado hasta el final. Pero prepárense porque hacía rato que no veía un compendio de tantos lugares comunes sazonados con la mas tonta moralina estilo Disney.
Eddie Murphy, el hombre que no envejece, interpreta en esta ocasión a una nave espacial que es comandada por... Eddie Murphy. Resulta que estos extraterrestres son muy chiquitos, y para pasar desapercibidos utilizan una nave espacial robótica. Su objetivo es recuperar una pelotita que secará los océanos terrestres, ya que necesitan la sal para salvar su propio planeta.
Con el avance de la historia estas criaturitas, mal predispuestas con respecto a la raza humana, irán descubriendo los “grandes valores terrestres” como son el altruismo, el valor, la amistad, y por supuesto, el infaltable amor. Tanto los conmoverá que sus propias conductas cambiarán, “humanizándose” y dando marcha atrás con el plan destructivo. Sólo faltaba una cantante adolescente llamada Lynn Minmay hechizándolos con su voz para redondear el afano a Robotech.
En el medio no faltan la viuda con hijo pequeño, la banda de amiguitos abusadores, los policías torpes que descubren la verdad, los rebeldes dentro de la propia tripulación, el gay simpático, y muchas obviedades más propias de este tipo de films. El problema principal es que todo ya fue visto mil veces, uno hasta puede adivinar las líneas de diálogo sin ser telépata, y la moraleja de que la humanidad es esencialmente buena y al final merece ser salvada ya apesta. Me pregunto: ¿los niños y las grandes consumidoras de telenovelas, se lo siguen creyendo?
Lo único que salva todo es la actuación de Eddie Murphy, que hace lo imposible para sacarnos una risa, sobre todo durante la primera parte. Sin llegar a la obscenidad gestual de un Jim Carrey, sus caras aportan la dosis graciosa que hace soportable este bodrio endulzado no apto para diabéticos.
¡ASÍ SÍ!: Murphy sigue demostrando ser un buen comediante.
¡ASÍ NO!: Patética en su concepción y sus lugares recontracomunes. ¡Si hasta los efectos especiales no son buenos!
“Chicho” Ibañez Serrador es sinónimo en España de Terror y de gran espectáculo televisivo. Fue el responsable durante cuatro décadas de uno de los mejores programas de juegos de la TV: El “Un, dos,tres...”; además de la exitosa “Historias para no dormir”, serie que adaptaba cuentos de terror de autores famosos y alguno de su propia cosecha. Nacido en Uruguay, su gusto por el terror no sorprende tanto al saber que su padre fue un “monstruo” del género en varios sentidos: Narciso Ibáñez Menta. Más adelante le dedicaré una entrada para que sepan de quien hablo.
Chicho vivió un tiempo en Argentina, y a lo largo de su carrera hizo de todo en todos los medios: fue autor, actor y director en radio, tv y cine. Aunque en este último sólo llegó a dirigir dos películas, La Residencia, que resultó un inmediato éxito de taquilla, y la que nos ocupa en esta ocasión, ¿Quién puede matar a un niño?, rodada en inglés.
El subgénero de niñitos malvados no era nuevo allá por 1976, y en este film notamos claras influencias de un clásico de la ciencia ficción de fines de los cincuenta: El Pueblo de los Malditos (Village of the Damned, 1960), aunque aquí no haya extraterrestres de por medio y la malicia de estas criaturitas sea mas sanguinaria.
Los primeros seis minutos intentan dar justificación a lo que está por venir, y lo hace de una manera chocante y directa. Una sucesión de imágenes documentales nos muestran a niños en situaciones extremas debido al accionar irresponsable de los adultos: mutilados en guerras, víctimas de espantosos experimentos nazis, esqueletos vivientes al borde de la inanición, o simplemente muertos. Un intento de sacar partido de las famosas, por esa época, películas “Mondo”, pero demasiado para una simple historia de terror.
Acá no corre eso de "Tan fácil como sacarle un dulce a un niño"...
Agradeciendo el comienzo propiamente dicho, seguiremos a una joven pareja que decide vacacionar en una alejada isla del Mediterráneo. La cosa no pinta bien cuando descubren que el pueblo está abandonado, o casi, porque cada tanto observan la presencia de niños y niñas jugando despreocupadamente. Preadolescentes que muestran su lado diabólico cuando son descubiertos masacrando a un anciano, o jugando a la piñata con un cadáver.
El porqué de esta actitud repentina es apenas revelada con sugerencias explícitas como las del principio, y otras muy veladas. Pero poco importa bajo la hábil dirección de Serrador, que consigue climas y situaciones tensas y muy siniestras, atreviéndose incluso a cruzar la línea de lo políticamente correcto en una historia con niños. Llega a dotar a estos mocosos malcriados de un halo que inquieta, con sus sonrisitas inocentes y sus manos manchadas de sangre. Y no hablemos de lo que pasa con la chica protagonista cerca del final, motivo suficiente para dejarle ver a tu hijo su programa favorito sin quejarte.
Considerada clásica entre los fanáticos del terror, es una cinta que bordea el golpe bajo en repetidas oportunidades pero que resulta también uno de los mejores exponentes de niños malvados en el celuloide. Y lo que es importante además, el paso del tiempo no la perjudicó demasiado.
¡ASÍ SÍ!: Destacable dirección. Estos chicos no tienen nada de adorables.
¡ASÍ NO!: El prólogo, innecesariamente cruel. El final, predecible. La tasa de natalidad de la isla resulta sospechosa: ¿de donde salieron tantos chicos?
Ante la pregunta obligada, aquí va mi respuesta: sí, es muchísimo mejor que la versión de 2003. Aunque no logre resolver algunas cuestiones técnicas que ya padecía la anterior, la historia será del agrado del fan gracias a sus guiños continuos y a la buena actuación de Edward Norton. No obstante debe agradecer la existencia de la versión de Ang Lee, ya que otro hubiera sido el planteamiento de ésta, sobre todo al evitar repetir el origen de la criatura. Teniendo frescos los eventos y los personajes narrados en aquella, aquí solo bastan algunos pantallazos durante los títulos para ponernos al tanto de quién es quién y cómo se llegó hasta allí. Secuencia de títulos que utiliza mucho de la apertura de la serie de los 70s y que hace correr algún lagrimón nostálgico.
La nueva bestia verde
Bruce Banner está recluído en una favela de Río intentando controlar su ira (¡y los brasileros no son mexicanos disfrazados! Festejaré estos detalles hasta el día que me muera, y no por los mexicanos que son buena gente, sinó por los directores norteños poco respetuosos de las demás culturas). En forma anónima se comunica con un científico norteamericano al que le manda muestras de su sangre con el fin de obtener un antídoto eficaz. De alguna manera el general Ross (William Hurt) descubre su paradero (gracioso el cameo de Stan Lee) y envía tras él al agente Emil Blonsky (Tim Roth), un ex KGB que se toma esto de manera personal. De vuelta en los EEUU y tras su reencuentro con Betty Ross (una Liv Tyler físicamente muy fuera de forma), deberá enfrentarse a un Blonsky inyectado con dosis de radiación. Fuera de todo control, termina convirtiéndose en una criatura tan fuerte como Hulk llamada Abominación.
Trailer 2
Para los más jóvenes, la apertura de la serie de TV con Bill Bixby y Lou Ferrigno
Los seguidores del cómic y de la serie de televisión disfrutarán como niños ante las continuas referencias: veremos a Bill Bixby y Lou Ferrigno (quien se merece un poco más de letra la próxima vez); escucharemos esa triste melodía llamada "The Lonely Man Theme" mientras Banner hace dedo en una carretera; oiremos hablar de Leader o el doctor Samson; reaparecerá la máquina de escáner craneal de la serie de tv; y algunas cosillas más.
Abominación versión cine
Hay tres grandes escenas de acción en toda la película, pocas para algunos, pero que ofrecen todo lo que uno busca. Hulk aquí es salvaje y está muy enojado, tal como se refleja en la historieta.
Abominación versión cómic.
Por el lado negativo, otra vez tenemos una criatura muy “digital”, que no alcanza las cotas de realismo de por ejemplo un gollum o los dinosaurios de Jurassic Park. La relación entre Banner y Betty Ross es bastante tontuela, y las motivaciones militaristas del general muy simplonas. Todo lo interesante del drama interior de Banner mostrado al principio del film va diluyéndose a medida que aumenta la acción. El desenlace de la pelea de Hulk sobre Abominación tampoco es convincente, llega muy rápido.
Pero esto no alcanza a opacar el disfrute de una cinta que es puro espectáculo, que es en definitiva lo que uno espera de un producto de estas características.
¡ASÍ SÍ!: Bien por las referencias (por esto le subo el puntaje). Acción que no defrauda. ¡El final, excitante por partida doble!
¡ASÍ NO!: Otro bicho muy digital. La pobreza de ciertos personajes. Guión que daba para más.
Franklyn Frazzetta nació en Brooklyn, el 9 de Febrero de 1928. De muy chico mostró su talento para el dibujo. Él mismo cuenta que el director artístico de la revista Standard, donde publicó por primera vez, le criticó su falta del dominio de la anatomía humana y lo mandó a estudiar. Se pasó una noche entera copiando los dibujos de un libro sobre el tema, y a partir de ahí surgió la magia. Luego de trabajar como asistente de Al Capp en la famosa tira “Lil’ Abner” (trabajo que abandonaría en malos términos) y de dibujar cuerpos femeninos para revistas masculinas como Cavalcade y Playboy, llegó la oportunidad que le cambiaría la vida. Su amigo y también ilustrador Roy Krenkel, viendo que no podía cumplir con la gran demanda de trabajo que le caía encima, lo recomendó a la editorial “Ace Paperbacks” para realizar las cubiertas de los libros de Edgar Rice Burroughs (el creador de Tarzán).
Era la oportunidad de crecer artísticamente y cambiar la tinta y acuarelas por técnicas más complejas. Y no se equivocó a pesar del desafío que ello implicaba. Los libros con sus cubiertas se vendieron estupendamente y los fans empezaron a multiplicarse. Lamentablemente, los turros de la editorial se quedaban con sus originales y los vendían o regalaban en convenciones de ciencia ficción, cosa que enfureció al genio.
Es allí donde otro golpe de suerte lo cruza con el editor James Warren, hecho que le permitió ser reconocido como uno de los ilustradores de fantasía más importante e imitado de todos los tiempos. Warren le pidió que hiciera ilustraciones para sus revistas de fantasía y terror Eerie, Creepy y Vampirella, entre otras. Le pagaba lo mismo que los otros, pero le dejaba conservar los originales de sus obras. Frazetta ya tocaba el cielo con las manos, pero no se imaginaba que en 1965 llegaría al infinito y más allá.
Poster no utilizado para From Dusk Till Dawn (1996)
Lancer Books obtiene los derechos de una serie de novelas de un tal Robert E. Howard, y viendo el trabajo hecho para las novelas de Burroughs, le ofrece el doble de sueldo y conservar los originales. Frankie, ni tonto ni perezoso, acepta y le mete todas las pilas a esta nueva oportunidad. De esta manera, las aventuras de un cimerio de ojos azules se materializan en impresionantes instantáneas. Su nombre: Conan.
El éxito, la estabilidad económica y el reconocimiento de sus colegas llegan por fin. Sus productos se multiplican: posters para películas, el primer artbook de un ilustrador fantástico, portfolios... Famosos del momento como Bo Derek y Clint Eastwood lo buscan como si fuera una estrella de rock. Y en el centro de esta gloria, ya en los 80, recibe el llamado de Ralph Bakshi para filmar “Hielo y Fuego”.
Existen tres tipos de reacciones posibles ante este film. En primer término, podemos dormirnos o levantarnos a los 10 minutos insultando a los cuatro vientos. En segundo lugar, la veremos hasta el final tratando de entender lo que pasa (mi caso). Y por último, haremos esto mismo pero durantes los siguientes días viviremos en un estado obsesivo-compulsivo discutiendo, pensando y tratando de resolver los grandes enigmas del espacio-tiempo.
Porque Primer, producción independiente que no superó los 7000 dólares de costo, es de ese tipo de películas que no se entienden con facilidad, ni la primera ni la segunda ni la tercera vez que uno la ve.
Cuatro jóvenes inventores usan un garage para desarrollar experimentos que nadie les quiere financiar. Como si fueran científicos tercemundistas, al no contar con medios económicos, usan partes de sus propios coches y electrodomésticos. Pero la relación entre ellos no es la mejor, y hay dos que deciden actuar en secreto porque tienen algo entre manos. Una caja dentro de la cual ocurren cosas misteriosas: 2 minutos se convierten en más de 24 horas para un reloj; hongos que secretan en 5 días la cantidad de proteínas que usualmente insume 5 años; desconectando la alimentación el equipo sigue funcionando durante un tiempo más.
Cuando descubren lo que pasa dentro de la caja, deben enfrentarse a decisiones propias de la naturaleza humana: lo que al principio no es más que curiosidad se transforma en ambición. Y aquí, lo que ya venía siendo complicado de seguir, se transforma en la debacle total. Porque a las conversaciones plagadas de tecnicismos se suma la confusión de lo que sucede.
En mi caso particular podía ver la punta del iceberg, pero el trasfondo resultaba insondable. Y el tratar de llegar a un final donde todo se aclarara mágicamente mantenía mi interés...en vano. Porque nada queda debidamente explicado. Por suerte la tensión dramática, las actuaciones y cierto vistuosismo visual no defraudan y compensan la irritación de no saber de qué hablan estos muchachos (donde el protagonista, Shane Carruth, es además el director, montajista, productor y musicalizador de la película).
La obra pertenece al género de la ciencia ficción “dura”, que por definición busca la máxima verosimilitud a través del desarrollo de teorías científicas ultra académicas. Género que queda muy bien en la literatura, pero que en un film puede ser autodestructivo si no se hace con claridad y buen pulso narrativo. Y eso es lo que sucede aquí, aunque aún me queda la duda si no fue un efecto buscado deliberadamente.
Para ver con reservas. Y si alguien nota que sufre de ansiedad los días posteriores, puede tratar de entenderla (o complicarla aún más) entrando en las siguientes páginas:
¡ASÍ SÍ!: Muy buen ejemplo de cómo hacer ciencia ficción sin efectos especiales ni gran despliegue técnico.
¡ASÍ NO!: No apta para quienes reprobaron física en la secundaria. No sabemos si estamos ante una genialidad, o si sólo es una historia muy simple maquillada de pretenciosa y confusa erudición para disimularlo.
El estreno en 1979 de Alien el octavo pasajero generó una ola de nefastas imitaciones. Corría el año 1980 y faltaba mucho para que saliera la secuela oficial dirigida por James Cameron, Aliens el regreso (1986). Los italianos, maestros en “reciclar” ideas exitosas, no podían dejar pasar esta oportunidad. Así surge esta “cosa”...
En realidad no estamos ante algo demasiado malo. Esta coproducción italiana-alemana hablada en inglés y con secuencias filmadas en Colombia (¿?) se salva gracias al tufillo gracioso que no pretende ocultar. Es ciertamente una producción barata, filmada en EEUU (truco comercial pensado para su distribución en el lucrativo mercado yanqui) y también en el país sudamericano (¡los colombianos no son mexicanos disfrazados, hurra!).
Quien se atreva con ella se enfrentará a muertos que parpadean, pechos que explotan con tripas que parecen serpentinas, un policía muy parecido al personaje de Calabró “Anibal, un pelotazo en contra”, huevos que brillan y chillan como chanchitos excitados, y hasta un extraterrestre durísimo con un solo ojo y cuyos brazos comen gente...
La historia no es muy importante pero ya que estamos, aquí va una breve reseña: Un cargamento de huevos alienígenas llega a Manhattan en un barco a la deriva. Cuando explotan, largan una sustancia que al contacto con el cuerpo humano, hacen estallar los pechos. Un policía que se la pasa dando lástima, una agente del gobierno y un astronauta que viajó a Marte seguirán la “pista” colombiana. Resulta que estas esporas venían ocultas en cajas de café de esa procedencia.
A pesar del robo y las ridiculeces resulta simpática y llevadera. Una “explotation” de un director (Luigi Cozzi) que ya había hecho lo mismo con La Guerra de las Galaxias años antes.
¡ASÍ SÍ!: Especial para reirse un rato con los amigos.
¡ASÍ NO!: Cuando la ví en los 80s pensé que era una continuación de Alien. No hay que jugar así con los sentimientos de uno.
Stanley Winston murió el 15 de junio de 2008, a la edad de 62 años. Esta entrada se publica tardíamente, pero he querido hacerlo igual a modo de homenaje. Quién fue este tipo se preguntarán ustedes. Dejemos que su obra hable por sí misma. Sólo mencionaré lo más destacado:
-En 1982 participó de los efectos de maquillaje de La Cosa (The Thing). -En 1984 crea y anima el esqueleto mecánico de Terminator. -En 1986 crea para la película Aliens a la gran reina, una marioneta a tamaño real y manejada por 16 personas (primer Oscar). -En 1987, y recomendado por el propio Schwarzenegger, dió forma a una de las mejores criaturas del cine de ciencia ficción: el Depredador (Predator). -En 1988 y 1991 se largó a dirigir películas con muy poco éxito: "Pacto del Demonio" (Pumpkinhead) y "Gnomo Cop". -En 1991 crea los efectos del T-1000, el robot de metal líquido de "Terminator 2" (segundo y tercer Oscar) -En 1992 realiza los maquilajes del Pingüino y Gatúbela para Batman Regresa (Batman Returns) -En 1993 crea el Tiranosaurio Rex a tamaño real, entre otras criaturas, para “Jurassic Park” (cuarto Oscar)
Otras películas en las que participó con los efectos especiales o maquillaje: El Ente (1981), Predator 2 (1990), Edward Scissorhands (1990), Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles (1994), Congo (1995), The Island of Dr. Moreau (1996), The Relic (1997), The Lost World: Jurassic Park (1997), Small Soldiers (1998), Inspector Gadget (1999), Galaxy Quest (1999), Artificial Intelligence: AI (2001), Pearl Harbor (2001), Jurassic Park III (2001), Terminator 3: Rise of the Machines (2003), Big Fish (2003), Constantine (2005), Tideland (2005), y como último trabajo diseñó el traje de Iron Man (2008).
También produjo para televisión dos películas extraordinarias: Earth vs. the Spider (2001), y la imprescindible Mermaid Chronicles Part 1: She Creature (2001) sobre una sirena asesina.
No sólo de películas vive el fan, así que por tal motivo comenzaremos hoy un recorrido por el mundo de la pintura y la ilustración fantástica y sobrenatural. Mi deseo es despertar la curiosidad de las jóvenes generaciones y tentarlos a acercarse a los grandes maestros del pincel, y porque no, del aerógrafo. Del presente saltaremos varios siglos al pasado, siempre rastreando esas joyas que han inspirado a mas de un artista moderno.
Y mi elección para esta primera entrega tiene que ver con la persona que ha retratado al infierno de la manera mas surrealista y grotesca jamás concebida. Hieronymus Bosch, mas conocido como El Bosco, nació aparentemenre el 2 de octubre de 1450 en Bolduque, Países Bajos. Y digo aparentemente porque toda su vida está envuelta en el misterio. Es muy poco lo que se conoce de él, sólo que se casó con una acaudalada mujer, y que murió en agosto de 1516. Ordenar cronológicamente su obra es tarea complicada ya que nunca las fechaba y no siempre las firmaba.
Su obra comenzó y terminó con temas bíblicos retratando en varias oportunidades la figura de Jesús. Pero es en medio de ambas que concibió una galería de criaturas fantásticas y horrores infernales que desembocarían en su obra mas conocida: El Jardín de las Delicias.
Tríptico completo de "El jardín de las Delicias"
Pintor alla prima, es decir, con la primera pincelada al óleo sin añadir retoques posteriores, se destacó en la confección de trípticos: tres piezas de madera con pinturas diferentes, y unidas de modo que puedan plegarse al modo de las tapas de un libro.
Perteneciente a la Hermandad de Nuestra Señora, una secta mística devota de la Virgen, sus obras reflejan una intención moralista y están cargadas de humor satírico y figuras alegóricas. Carl Jung llegó a describirlo como “un maestro de lo monstruoso, el descubridor del inconsciente”.
Figuras sobrenaturales pueblan sus pinturas: un diablo humanoide espía entre las hojas de un árbol en “La nave de los locos”; demonios-grillo acechan a un santo en “Las Tentaciones de san Antonio”; una criatura semianimal junto a un pecador atravieza su garganta con un cuchillo en “El Infierno”; otro demonio grillo con cabeza humana, anteojos, alas y cola de escorpión en “San Juan en Patmos”; seres infernales surcan los cielos en “Vuelo y caída de san Antonio”; una reina-diablesa desnuda acosa en “Meditación de san Antonio”...
Detalle de "El Infierno"
Pero es en el “Jardín de las Delicias” donde vemos reflejado con mayor claridad la lujuria y el horrendo castigo que le espera a los pecadores. La obra es un tríptico que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid. En el panel de la izquierda vemos “El jardín del Edén”: Dios es representado como Jesucristo y está uniendo a Adán con Eva.
El panel central, “El jardín de las delicias”, representa el falso paraíso al que ha llevado tanto desborde sexual. Esta pintura es un compendio de situaciones sexuales repleta de hombres y mujeres desnudos haciendo lo que ustedes ya se imaginan. Onanismo, sexo interracial, relaciones heterosexuales, homosexuales, grupales, ¡hasta introducciones anales!. Todo en un ambiente onírico plagado de simbolismos y estructuras fantásticas que encierran y oprimen a varios de los personajes.
Detalle de "El Jardín de las Delicias"
Y el panel derecho representa el lugar a donde vas a ir a parar si te entusiasmaste con la descripción anterior: “El Infierno”. Grotescas criaturas castigan a las lujuriosas almas, usando instrumentos musicales como elementos de tortura. Unas orejas con un cuchillo saliendo de entre ellas representaría el órgano sexual masculino en una de las primeras manifestaciones del surrealismo en el arte. Y Satanás en el centro, con cabeza de ave, defecando en un oscuro pozo a las víctimas que se come. Cabe destacar también el hombre árbol que mira directamente al espectador exhibiendo su tórax abierto, repleto de más bichejos infernales.
Detalle del "Vuelo y caída de san Antonio".
Se llegó a sospechar que El Bosco fumaba sustancias “ilegales” y que de allí habrían salido tamañas imágenes, pero eso nunca se podrá comprobar. Por lo pronto, y para que inyecten un poco de cultura en sus empobrecidos cerebros, les dejo un enlace donde podrán apreciar en detalle la obra de este genio, con unos interesantes análisis en castellano.
Las invasiones de extraterrestres hostiles a nuestro planeta no eran novedad en el ambiente literario a principio de los años 50. En la página de los Pulps (revistas baratas de principios del siglo XX) se podían encontrar centenares de relatos protagonizados por horribles monstruos de otro mundo que intentaban acabar con la especie humana. Monstruos con aspecto de insecto y con preferencia por el género femenino... Ni hace falta mencionar que la era moderna de este tipo de relatos lo inauguró H. G. Wells con su inmortal “La Guerra de los Mundos” allá por el año 1898.
En 1938, un graduado en física convertido en escritor publica el relato que daría un giro a la literatura de ciencia ficción de la época: "Who goes there?"( Quien Esta Ahí? ). John W. Campbell venía de publicar en la mítica “Amazing Stories”, y en 1934 le ofrecen el puesto de editor de otra revista histórica: “Astounding Stories”. Es desde estas páginas que decide cambiar la “space opera” (simples aventuras espaciales) por otro tipo de narración mas madura, con contenido literario pero cargadas de rigor científico. Así comienza a seleccionar de manera estricta el material a imprimir, y a crear “monstruos” de la talla de Isaac Asimov, Robert Heinlein, Theodore Sturgeon, Lester del Rey o A.E. Van Vogt. Por el lado negativo, siempre se menciona que rechazó a Ray Bradbury por no ser lo suficientemene científico. Asimov también deja entrever el lado racista de Campbell, quien en sus relatos intentaba evidenciar la superioridad norteamericana sobre el resto del mundo y el universo, aunque se enfrentaran a civilizaciones mas avanzadas.
Se supo, Andy Bell (cantante de Erasure) y La Cosa descienden de la misma verdura...
Retomando el rumbo de nuestro tema, más allá de estas consideraciones, el tipo significó una gran influencia para el género y le dio nuevos aires, a tal punto que se instituyó un premio con su nombre (el otro gran premio es el Hugo, del cual hablaremos en otra ocasión). "Who goes there?" reflejaba todo lo que él esperaba de la ciencia ficción y contribuyó a que otros autores se unieran a su escuela.
El cine, mientras tanto, estaba en otra. Hubo que esperar hasta el año 1951 para que la cosa empezara a cambiar. Año en que la adaptación de este relato desató la fiebre de invasiones extraterrestres en el celuloide.
“The Thing... from another world” fue dirigida principalmente por su productor, Howard Hawks, aunque en los créditos figure Chistian Nyby. Salida de las entrañas de la inmortal RKO, la historia era mas o menos fiel al relato de Campbell. Y aquí es donde reside su principal problema.
Un platillo volador se estrella cerca de una base científica en el polo norte. El Capitán Hendry de la Fuerza Aérea Norteamericana es enviado para dar asistencia a los científicos. Durante las tareas de rescate el OVNI es destruído, pero logran recuperar el cuerpo congelado de un extraterrestre el cual es trasladado a la base. Aislados por una tormenta de nieve, la criatura revive y empieza a atacar a los habitantes del lugar: primero a los perros, luego a los humanos. Mientras que los militares buscan destruirla sin contemplaciones, el Dr. Carrington, científico a cargo de la base, desea capturarla con vida para poder estudiarla.
Trailer
Lo primero que me llamó la atención, y que luego he visto reflejado en otras críticas, es el manejo de los actores y las secuencias de diálogos. Hay mucha conversación que refleja naturalidad, en donde las voces se pisan entre sí como ocurre en la vida real. Nada de esperar el pie del otro para lanzar el parlamento. Y ello le da una frescura inusual para la época.
A lo largo de la primera mitad también se respira el espíritu Campbell: mucha explicación científica y datos técnicos acordes con los conocimientos de la época y que contribuyen a la verosimilitud de lo que estamos viendo. Junto a las revelaciones inteligentemente dosificadas, el conjunto resulta atrapante y no da respiro.
El problema se plantea cuando comenzamos a descubrir de qué va el monstruo, y que ya no se trata de una forma de vida que absorbe y copia a otros seres vivos, sino que estamos ante una “zanahoria” inteligente que luce y se mueve como el monstruo de Frankenstein. Básicamente se la pasa dando sustos con las puertas de la base como marco y caminando a los tumbos. Ni qué decir que la verosimilitud construída al principio se va a los caños cuando nos enteramos que esta verdura necesita sangre pasa subsistir (¿?).
No intenten esto en sus casas si se encuentran con un chupasangre del espacio exterior
Otra de las cosas que no me gustó, y que refleja el espíritu de la época, es el rol del científico y el de los militares. Recordemos que venían de triunfar en la Segunda Guerra Mundial, que estaban en plena guerra fría contra el comunismo, y que la ciencia era acusada de haber creado esa “terrible arma de destrucción” llamada bomba atómica (busquemos “hipocresía” en el diccionario, por favor). De esta manera el Dr. Carrington es expuesto como un lunático equivocado, y los militares nos refriegan al final que no sólo tenían razón en aplicar la fuerza bruta, sinó que también los norteamericanos son los que salvaron al mundo (¿dónde escuché esto antes?).
Por lo menos las mujeres no son mostradas como tontas máquinas de chillar, algo que sería muy común en los films subsiguientes. En 1982 Carpenter haría una remake que la superaría con creces.
¡ASÍ SÍ!: Mucho diálogo y bien actuada. Buen suspenso. Por primera vez vemos un instrumento rastreador de monstruos (idea reutilizada en Aliens). Popularizó la frase “Watch the skies” (Vigilen los cielos).
¡ASÍ NO!: ¿Por qué traicionaron la idea original de la criatura “transformista”?
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